Resulta complejo saltar la línea que separa el campo de la pornografía y el arte sin sentirse salpicado en su transcurso. Es por ello que los genitales que pintó Courbet en El origen del Mundo, cumplen las exigencias de un milimetrado guión social para poder ser valorado como una obra artística, digna de ser expuesta en las paredes de los mejores museos del mundo. Para ello ha tenido que pasar el tiempo, y desprendernos de demasiados tabúes que lastramos de nuestra herencia judeocristiana, pero no sólo eso, sino también la ubicación de esos genitales femeninos durante el transcurso de la historia, han hecho que no provoquen rechazo sino admiración ante los ingenuos ojos del inconsciente sicalíptico.

Es por ello, que en un gran número de ocasiones, no es la obra la que provoca rechazo y el obligado descenso a los infiernos de la inmoralidad, sino el lugar donde es expuesto. Por poner unos ejemplos, una imagen pornográfica de Vanessa del Rio, publicada en una revista erótica, será considerada por el grueso de la sociedad “bienpensante” como un trabajo execrable, destinado al consumo de onanistas y pervertidos, mientras que si la misma fotografía es recopilada en un volumen lujosamente editado por Taschen, la apreciación será diferente, a pesar de que la imagen, en ambos casos, se sustente en un soporte impreso. O lo que es lo mismo, y volviendo al caso de Courbet, la imagen pornográfica, dependerá del lugar de exposición. Mientras que durante años El origen del Mundo, permaneció oculto por voluntad de sus diversos propietarios, hoy se exhibe en el prestigioso Musée d’Orsay, consiguiendo dar de esta manera el triple salto mortal que supone salir de la clandestinidad para situarse como una referente obra de estudio.

El paso del tiempo, el continente donde se muestra la obra… serian muchos los factores que habríamos de valorar para poder citar a una obra como pornográfica o artística, además de desprendernos de tabúes y prejuicios que nos obligan a tener una visión desnaturalizada de la misma, y más tarde, valorar por qué consideramos inmoral, la sola visión de una miembro sexual y por el contrario no supone el mismo rechazo los miembros del (supongamos) aparato motríz del ser humano. O lo que es lo mismo ¿Resultan una vagina o un pene inmorales en sí mismos? O sencillamente, es nuestra moral la que los cataloga, prejuzga y rechaza.

Ya que últimamente ando bastante liado con tantos proyectos, que se me están empezando a escapar de las manos, y para no cesar la actividad bloguera, he rescatado de mi antigua bitácora, a modo de arqueología binaria, una reseña que escribí defendiendo la vapuleada Acorralado. Disfrútenla (Si les parece). Pronto vuelvo con más artículos inútiles.

“-…Antes podía pilotar un helicóptero y conducir un tanque. Llevaba encima un equipo de un millón de dólares. Ahora no me dan ni un trabajo de lavacoches.”

Sylvester Stallone -John Rambo- En “First Blood” (Acorralado)

Revisar la primera parte de Rambo, 24 años después de su estreno puede aportar varias sorpresas a todo cinéfilo sin prejuicios. En primer lugar nos daremos cuenta de que Stallone creó a su primer antihéroe, un personaje marginal, engañado y estafado por un país por el que se había jugado la vida. John Rambo, golpea con todas sus fuerzas al sueño americano, consiguiendo crear la antítesis de Rocky Balboa, el otro alter ego de Stallone donde demostraba que con trabajo y tesón, cualquier chaval de un barrio marginal, puede llegar a lo más alto.

Lo que llegó más tarde fue puro divertimento, apologías filofascistas a la violencia y al rancio
patriotismo americano. Se explotó el filón hasta desecarlo y la caída del muro, obligó a las productoras a buscar otros enemigos para sus héroes de acción más allá del “demonio comunista” que amenazaba la libertad USA. A pesar de ello, hoy, recuperar las secuelas de “First Blood” pueden llegar a tener su gracia, ver a John Rambo luchando contra los rusos y al lado de los talibanes, viendo como ha cambiado el mapa geopolítico mundial resulta tronchante.

“First Blood”, al contrario que sus secuelas, utilizaba la violencia como medio, no como fin. Stallone en 1982 aún no era el testosterónico héroe de acción que eclipsaría a toda una generación de palomiteros y aún tenía más cerebro que músculo, lo cual le sirvió para crear a un personaje oscuro, un buen hombre obligado a perpetrar sus actos como respuesta al rechazo del sistema y a reivindicar su condición de la misma manera que la sociedad le había enseñado. En los USA no quedaba sitio para los
monstruos que habían engendrado y era preciso ocultarlos o eliminarlos y en esta ocasión el monstruo se ha escapado de las manos al sistema y sólo podrá ser retenido si se le devuelve al útero donde fue creado. El ejército es su vida a la vez que su frustración, pero tan sólo bajo las normas castrenses puede el individuo encontrar la libertad que no le concede el exterior, creando una suculenta paradoja de la ambigua libertad norteamericana. A pesar de todo esto, tampoco tenemos que engañarnos “First Blood” es un film de acción, no de denuncia, pero a pesar de ello el mensaje de denuncia queda latente durante todo el metraje.

La recuperación hoy de “First Blood” supone desprendernos de falsos estereotipos sedimentados con el tiempo y enfrentarnos a un film indispensable para entender la cinematografía USA de los 80. Bebiendo de las influencias de la también comentada en este blog “Deliverance”, donde a diferencia del film de Boorman, John Rambo es el reverso del “hombre de ciudad” obligado a sobrevivir en condiciones abruptas, que interpretaba Burt Reynolds. Rambo demuestra ser un aliado de la naturaleza, este es su medio, el único en el que puede confiar ya que sus leyes son claras y no traicionan. Otra fuente de inspiración para este film es sin lugar a dudas la gran obra de la Guerra del Vietnam que realizó Michael Cimino en 1978, “El cazador” donde también se retrataba el difícil regreso y reinserción de quienes habían marchado a defender unos valores que ya habían quedado obsoletos en su país de origen.

Este es el efecto que me ha producido la reciente revisión de este “First Blood”. Hagan lo mismo y olvídense de sus infumables secuelas, comprobarán hasta que punto se puede llegar a marginar injustamente una buena película.

Deliciosa versión a cargo de Pascal Comelade de Russian Roulette, originalmente creada por The Lords Of The New Church e interpretada con los instrumentos que caracterizan a Comelade. Una preciosidad para oídos exquisitos.

En una de las estanterías de casa, tenía reservada Tarde de perros. La compré en un ataque de consumismo compulsivo. Al ver su ridículo precio y el peso de sus extras no me pude resistir a la tentación de pasar por caja con ella bajo el brazo. Así que llegué a casa, la desembalé y después de acariciarla un buen rato, la dejé abandonada en la estantería, acumulando polvo hasta ayer.

Siempre había tenido ganas de ver Tarde de Perros, pero, desconozco el motivo, me daba pereza. Creo que la consideraba un clásico menor y ante el aluvión de novedades que pasaban ante mis ojos, quedaba relegada a un segundo plano. Ayer me pasé la tarde deleitándome con cada uno de los planos de esta monumental obra de Lumet y hoy solo me arrepiento de no haberla visto antes, para así haber disfrutado durante más tiempo con cada una de sus imágenes.

Imagino que la creatividad del cine norteamericano durante los años 70, fue tan basta que ante semejante aluvión de clásicos, fueron muchos los trabajos que quedaron sepultados y si no olvidados, si relegados a un segundo plano, allí donde se encajan las obras que no conseguimos acumular en la estúpida lista de las diez mejores películas de la década o de lo que sea. Mientras que Tarde de perros, hoy, ante la bajeza argumental de las películas contemporáneas, sería un rabioso clásico para el nuevo siglo.

De su visionado, aparte de alabar al artesano Lumet y no cansarme de reivindicarlo a los cuatro vientos, por la cantidad de sub-argumentos que llegó a embutir de manera tan sutil en una comedia de lo más amarga, desde el poder de persuasión de los medios de comunicación a la homosexualidad y por encima de todo, me he reencontrado con Al Pacino en su mejor momento, cuando era grande y su sola presencia llenaba toda la pantalla, un solo gesto del actor en aquella época suponía un ejercicio de interpretación digno de estudio, aunque resulta una lástima que hoy sea la sombra de aquel actor, aunque sólo por haber interpretado a aquel atracador de bancos y a Michael Corleone, se merece todos mis respetos, haga lo que haga.

Siempre que entro en Cover Browser, me encuentro con deliciosas sorpresas. La última es esta alucinante compilación de portadas de libros de Philip K. Dick, con más de 700 imágenes sólo para sus ojos.

Alucinante performance de Vagina Dentata Organ, para el programa de TVE La Edad de Oro. Sólo la puesta en escena ya pone los pelos de punta. Pero lo que más me fascina no es solo la intensidad de la obra, sino que este espectáculo se proyectase en una cadena pública en prime time, hace ahora más de 20 años. Reflexionemos y veamos en qué se ha convertido, no solo la televisión (Pública o privada), sino todo el espectro cultural.

La combinación de sexo y violencia, siempre ha sido un tema de especial arraigo en la explotación cinematográfica. Si bien el mundo se regodeó con el pornochik de la serie Emmanuelle, donde a los espectadores sensibles se les daba la oportunidad de sacar el volleur que ocultaban en el armario, con la excusa de haber encontrado la delgada línea que separa el erotismo de la pornografía.  Jactándose de la cuidada plasticidad de una obra donde se mimaban los aspectos técnicos, como la música o la fotografía y donde se tenía muy en cuenta hasta qué punto se debían acotar las escenas sexuales, para que el sensible espectador no se creyese ubicado en una mugrienta sala “X”.

El éxito de Emmanuelle, llegó a convertirse en toda una franquicia, para ello, bastaría con alterar las letras del título original, para que no existiesen reprimendas jurídicas por parte de las productoras y el espectador acudiese engañado a la sala, a expensas de un nuevo capítulo de féminas en ardiente fregoteo, en paradisíacas islas.

A pesar de ello, el exploit fue degenerándose, hasta el punto en que llegó a coincidir con los populares Mondos, que a modo de reportaje, mostraban al espectador con pelos y señales las humillaciones perpetradas por los blancos en la África negra, al mismo tiempo que se recreaban con (reales) vivisecciones de animales y (ficticias) torturas a nativos e ingenuos exploradores. Así que algún perro viejo decidió hermanar el género Mondo con el pornochik de Emmanuelle. Para ello,  Joe D’amato alteró el título original de la serie en la que Sylvia Krystel erotizó a toda una generación -a la par que popularizó los tronos de mimbre- y se sacó de la manga un sub-producto al que tituló Emanuelle y los caníbales (Observen la desaparición de una “m”).

La aparición de sus títulos de crédito en esta sección, no es más que una mera excusa para hablar del tema, ya que los planos aéreos de Manhattan, utilizados para esculpir los nombres de los creadores de la obra, servían para poco más que inflar el metraje lo máximo posible y conseguir, a trancas y barrancas, llegar a los 90 minutos de saludable diversión que el espectador exigía a cambio de su entrada.

Por si esto les sabe a poco, aquí pueden encontrar una pequeña galería de imágenes de la película.

B. abrió el cajón del armario. Se detuvo durante un momento observando las prendas que debía escoger y durante un momento dudó entre blanco o negro. Pensó que el blanco era símbolo de pureza. Extendió la mano y delicadamente separó las piezas amontonadas. Colocó con pulcro orden toda la ropa sobre la cama, como si de un personaje sin cuerpo se tratara y se tendió a su lado. B. desnuda y su piel vacía junto a ella. Meditó por última vez, decidió que ya no había vuelta atrás y se vistió con la delicadeza de quien viste a un muerto.

Bajó las escaleras y encendió la luz del garaje. Todo estaba en perfecta calma, como si la tormenta no hubiese llegado hasta allí, como si por un momento el infierno se hubiese detenido a las puertas de aquella casa. B. cortó un trozo de manguera y lo conectó del tubo de escape del coche hasta la ventanilla, revisó todas las puertas, entró y conectó el motor. La niebla comenzó a bañar el interior del coche, respiró y permitió sin resistencia que invadiera sus pulmones. Reclinó el asiento y comprobó que aún tenía sangre en las manos.

Ahora que ya me había logrado convencer de que el tamaño no importa, que aquello de ponerse un calcetín o un trozo de manguera en la entrepierna formaba parte del landismo y que un hombre moderno se había de valer con lo que le había tocado, me encuentro con este anuncio, que sinceramente, me ha descolocado. ¿Qué hace ese hombre con semejante consolador entre las piernas? Tan serio, cruzado de brazos y con cara de que no va con él toda esta historia.

Acabo de descubrir a Rick Trembles. Por lo visto casi un desconocido dentro del panorama cultural español. Artista polifacético, músico y sobre todo dibujante de estética feísta, punk, escatológico y azote de la hipocresía a la que se ve condenada la sociedad industrializada y con una impresionante imaginación para nockearme con todas las obras que he conseguido ver hasta el momento.

Lo he conocido gracias a un cortometraje titulado Goopy Spasms Live Cartoon Show, una delicia para paladares curtidos  que desgraciadamente, no he conseguido encontrar ni en YouTube  ni en ningún otro reproductor de Internet, por lo que les aconsejo que lo busquen desde ya.

Para que se hagan a la idea quienes aún no conozcan a Trembles, miren el video que he dejado en la cabecera y deléitense con su página web, desde la que podrán leer un buen puñado de sus cómics. Mientras tanto, espero que alguna editorial se decida a descubrir  y editar su obra en el mercado español.